音乐周报

李双江: 60年探索“用心歌唱”

李双江在发布会现场。 2019年12月21日,“心儿在歌唱——李双江中国艺术歌曲赏析及图书签售会”在新金沙平台图书大厦举行。现场,李双江携李宏伟、王佳豆、于爽、郑颖娟等歌唱家演唱《新金沙平台颂歌》《想起周总理纺线线》《延安颂》《新金沙平台颂歌》《雪花》《再见吧,妈妈》等歌曲。同时,他的新书《心儿在歌唱——李双江中国艺术歌曲39首诠释》与读者见面。该书以李双江在中央音乐学院开设的声乐课程教案为基础,精选39首中国艺术歌曲完成,由中央音乐学院出版社出版。 才华横溢 声情并茂 李双江是我国家喻户晓的男高音歌唱家,也是一位在教育园地辛勤耕耘的教育家。1959年,李双江考入中央音乐学院,在老一辈声乐艺术家喻宜萱教授的班上学习西洋唱法。“他具备出色的歌唱艺术表现的才能,重视作品内容的表达,对声音又不偏废,他的歌唱称得上是才华横溢、声情并茂。尤其值得称道的是,他的演唱风采多样多姿,他既能唱好西洋的歌剧咏叹调和艺术歌曲,又擅长演唱不同地区、不同民族、不同类型的中国创作歌曲和民歌。他在歌唱语言、运腔、艺术表现等方面有其独创性。”喻宜萱评价。 1963年,从中央音乐学院毕业后,李双江参军入伍去了新疆。“在新疆,我当过步兵、骑兵、炮兵、坦克兵、工程兵,还当过炊事兵。5年的基层连队新金沙平台网站使我懂得一个道理:我是一名军旅歌手,但首先应该是个战士,全身心地‘为兵服务’才是一个军旅歌手的天职。”1973年,李双江被调入中国人民解放军总政歌舞团担任独唱演员。但他仍每年深入军营,进哨所、下海防、走边关,为基层部队演出二三百场。上世纪70年代末、80年代初在南疆前线,一首《再见吧,妈妈》,李双江一天要唱几十遍,唱遍每一个作战单位,唱遍每一个“猫儿洞”。 “《再见吧,妈妈》《怀念战友》是他在前线和词曲作家们一起,雕塑出来的部队声乐艺术珍品。这歌声高亢激越,真挚深情,表达了战士们的情怀和品格。”音乐理论家、中央音乐学院原院长赵沨认为,李双江不拘泥于西洋传统唱法,又不囿于民间自然唱法,声音自然而抒情性很强,给人以优美的美学享受。 风靡全国 传唱至今 2017年3月,李双江回到母校中央音乐学院授课。两年3个学期,48节96课时的教学中,李双江分享歌唱理念、感悟、技巧、经验。教学曲目涵盖中国艺术歌曲、军旅歌曲、创作歌曲、中国民歌、中国歌剧、戏曲选段、影视歌曲,以及外国艺术歌曲、外国歌剧选段等多种风格及特色的曲目。 “这些经典歌曲自改革开放以来风靡全国传唱至今,承载了两代人的记忆,无论从学术角度,还是欣赏角度,都应该被记录下来。”中央音乐学院出版社社长张伯瑜说。2019年,从艺从教60年之际,李双江以96节声乐课程教案为基础,整理出39首经历多年舞台实践、不断艺术锤炼的中国艺术歌曲,编撰成《心儿在歌唱——李双江中国艺术歌曲39首诠释》一书。 情感抒发 用心歌唱 “‘心儿在歌唱’包含两层意思:一是说唱歌要唱情,应将内心情感抒发出来;二是说唱歌要动脑筋,要动心思,也就是我常跟学生讲的‘用心歌唱’。前者是常理,很好理解,‘歌为心声’就是这个意思,后者却难以理解和把握。”李双江认为,“用心歌唱”概括为3个方面。首先是新金沙平台网站,歌者要演唱好歌曲,新金沙平台网站和阅历是很重要的,因为歌声最终都是从歌者的内心流淌出来的。第二是人物,既然歌为心声,那么歌曲中一定要有人物,用歌声去表达歌曲中人物的思想感情。第三是情感,情感的表达是歌曲和歌唱的第一要务,歌唱打动听众的关键在于真心、真挚、真诚的情感表达。 书中,每首作品均收录声乐演唱谱、钢琴伴奏谱,以及李双江对于歌曲的“创作背景”“教学提示”“演唱心得”等方面的解读。同时,该书采用高质量的录音版本,结合了新媒体的多项技术,让每首歌曲有3个调性的钢琴伴奏音频,使用者可以自由选择适合自己音区的伴奏录音,方便音乐爱好者欣赏、声乐专业研习者学习、声乐教师开展教学活动。 “声乐教学离不开歌唱,但也不同于歌唱。”李双江认为,实施声乐教学的最后地点是在舞台,而不在琴房。单纯的技巧不可能成就一位歌手,但一个成功的歌手却不可能没有技巧。此外,声乐教学应强调理性与感性的统一,也就是理性认识与直觉把握的统一。再次,声乐教学应讲辩证法,在处理作品时应遵循“大歌小唱”“小歌大唱”的原则。书后附论文《我是怎样唱高音的》,论述歌唱基本功中的两个关键问题——共鸣和呼吸。“怎样才是‘用心歌唱’?这个问题我整整探索了60年。”李双江试图用书中的39首歌曲及论文《我是怎样唱高音的》对这个问题做出回答。 本报记者 卢旸 文/摄

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钢琴“基本练习”:练什么、如何练?

文 |石叔诚 在立足于基础并展望了前景之后,我们再回头来研究具体的学习方法。我想借用大家熟知的《业余钢琴考级》的科目分类论述。目前国内有多家考级机构,选用的教材各有不同,而且都会周期性调整。但总的科目内容万变不离其宗,即:基本练习、练习曲、复调乐曲、乐曲一或两首。之所以这样分类组合,是为了学生的全面发展而设定,具有科学性、专业性,也是国际上普遍采用的。从这点来看,绝不包含所谓“业余”的概念。那么我们就首先要搞清楚,从每一项课题中主要学什么东西?每一项的侧重点是什么? 首先来说基本练习。它的目的是锻炼手指的弹奏能力,这点不言而喻。但如果只是将考级规定的条目练熟并“过关”,却未必有多大用处,还是要看怎么练。基本练习的主要内容是二十四个大小调的音阶与琶音。貌似简单的音阶、琶音自我们初学钢琴就开始练习,却又几乎永远练不到十全十美。有一次与另一位演奏家交谈,我说我现在感觉最难弹好的就是全部在白键上的C大调音阶,不料他竟大有同感。许多伟大的钢琴家会终生坚持每天足量的基本练习,实不足为怪。对学生来说,应该通过每日的基本练习获得什么呢?如何练呢? 一、指法要正确。 谱上都有,只要一个八度对了就固定不变。这点做到不难,却容易忽略,随意用指法必定会养成坏习惯。记得我在小学时期,左手C大调琶音(及和弦)C-E-G-C顺手就用了5-3-2-1的指法,直到中学弹到贝多芬奏鸣曲时才被发现,为了将3指改成4指,花了很长时间,后悔莫及。 二、要求整齐、均匀。 整齐与均匀都是基本练习中重要的质量要求,都需要用耳朵来认真检查。是否整齐比较容易听出,而是否均匀则需要更集中注意力。要提醒的是,我们通常只注意时间上的平均,忽略了对音质均匀一致的要求。这包括双手每个手指的触键力度、下键速度、离键时机等动作的练习。这些动作是导致声音是否均匀的决定因素,是最重要也是最难的。这样的练习同时也锻炼了耳朵对于声音质量的辨别能力。我之所以觉得C大调音阶很难,就是因为我的耳朵对我的手指声音质量的均匀总是不满意。 三、注意改毛病。 每个学生都会在弹奏方法上存在不同程度的毛病和弱点,如指尖关节塌陷、手腕过低、肘部摇动、手臂过度紧张……林林总总因人而异、因时而异。对待这些通常的毛病,诸如不正确的坐姿、琴凳的高低、身体与钢琴的距离、弹奏的基本手形、不良的弹奏方法等,一定要集中在基本练习中解决,而不必在其他乐曲中揪住不放。因为只有在基本练习时我们才可能将全部注意力集中在这方面。更由于在基本练习时不用看乐谱,可以耳眼并用。通过基本练习养成良好的手形并改正不良的弹奏习惯,也养成用耳朵监督每个音的习惯。在基本练习中形成了好的习惯,自然会体现在所有乐曲的演奏当中。 四、讲究练习方法。 既要改毛病,就一定要“对症下药”。有人手指软且无力,却天天在琴上轻弹快跑;有人左手不灵活,却天天盯着右手练,左手跟着混;有人触键不到底声音不结实,却一味追求抬高手指……不讲方法的练习,肯定是在浪费时间。至于用什么方法那就要动动脑子自己找,绝不能只认准一种方法死练。包括人人尽知的“慢练”,恐怕也有不下一百种的慢法。我无法开出一剂医治百病的药方,因为病症不同用药肯定不同。基本练习无疑是在开拓我们的手指基本功,同时也是在开拓我们大脑发现问题和解决问题的能力。 五、熟悉键盘、学习基本乐理知识。 这点非常重要,却很少被注意和提及。我见过不少业余考级的通过者,二十四个大小调的音阶、琶音都弹过了,却搞不懂什么是大小调,搞不懂什么是主和弦什么是属和弦,甚至回答不出什么调用什么调号。这真是极大的浪费!因为这些基本的音乐知识几乎是不用任何辛苦,不多花一分钟就可在基本练习的过程中顺势而知。但下面的一个课题就需要主动进行练习了,这就是固定调概念和首调概念的问题。 我自幼(学钢琴前)就喜欢唱歌,也会读识简谱(简谱即为首调),直到进音乐学院附中才通过视唱练耳课学习了固定唱名。一直以为首调唱名人人都会,后来才发现很多琴童竟完全没有首调概念,再后来更奇怪,也有不少专业钢琴家也不会。究其原因,我发现凡于启蒙就学五线谱弹钢琴的人多为固定概念,而启蒙于唱歌的人多为首调概念。究竟是首调概念好还是固定调概念好?对这个问题在音乐界以至国际上都有争论。我认为,必须二者都学、都会、都用。可能大家都知道,有人已具备了很高水平的演奏能力,却没有在钢琴上即兴伴奏的能力;而有人只凭一纸简谱就可以在任何调上任意演奏或即兴伴奏。其中的区别就在于后者既有固定调概念也有首调概念,并具备了熟练的首调与固定调的转换能力。 获取这种能力,最经济的办法就是利用我们每日的基本练习,即在我们重复练习各调的音阶与琶音时,在练习技术的同时加进首调概念的训练。例如,当练习D大调音阶时,手弹D-E-#F-G-A-B-#C-D,而心中唱的是do-re-mi-fa-sol-la-si-do;练习E大调属七和弦的琶音时,手弹B-#D-#F-A-B时,心中唱的是sol-si-re-fa-sol……经过一个阶段这样的练习后,你可以对自己做个测试,试试能不能立刻在琴键上弹出bD大调中的sol(bA),A大调中的主和弦do-mi-sol(A-#C-E)等,如果能达到不经过计算和寻找而信手弹出,就说明你已基本具备了首调与固定调的转换能力。 我之所以在这个问题上说的比较多,不仅是针对未来的专业钢琴家,而且更多是对“业余”的学琴者。试想,如果哪天学校老师请你为大家唱歌弹个伴奏,你是回答“对不起,我不会,我只会弹莫扎特奏鸣曲”,还是“对不起,我只能用C大调弹”?总之,要在基本练习中避免只求弹熟或死记硬背来应付考级。如能做到我以上的几点提示,哪怕每天只专心练十分钟,持之以恒,必有收获。 (本文由清华大学出版社授权刊登)

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唢呐音乐传承创新的误区 | 争鸣

文 |王安潮 在中国民族器乐中,唢呐艺术的群众文化基础和学术纵深发展都是同类中的佼佼者。它在民间音乐文化中应用广泛,是上个世纪中国大众在婚丧嫁娶中的重要参与形式之一,也是各省区“器乐集成”中数量最多者之一。齐鲁大地、东北三省、西北五省区、中原大地,甚至江南闽粤等地,都有很好的唢呐音乐体裁。然而近年来,唢呐的发展诸多不顺,且不说传扬的经典作品很少,就连大众的排斥程度也在增长,这不能不引起学界的聚议。但在这其中,很多人存在认识误区,这十分有碍于唢呐的传承创新发展。 首先,传承就是固守传统。保持原有民间唢呐音乐的固有状态,包括乐曲的演奏和乐种的状态,是这种观念的核心之处。原汁原味地保持传统艺术的魅力是很重要,但艺术只有融入时代情趣后方能生存下去。民间艺人要新金沙平台网站,乐曲要人爱听,就得依从大众的接受兴趣,否则,自顾自地固守本原,只能是故步自封,裹足不前,冷落的不仅仅是自己,还会殃及乐种。反观那些发展良好的唢呐曲,如《百鸟朝凤》《一枝花》《抬花轿》《豫西二八板》《凤阳歌绞八板》《乡音美》等能为人所知、所爱,正是由于任同祥、郝玉岐、刘炳辰、刘英等人在作品中融入了时代审美情趣及其表现技法,使得它们的土味儿更为淳厚,情趣更为雅致,使其既深耕于土地,又传扬于舞台。 其次,创新就是新创作品。不断创作新作品,尤其是邀请专业作曲家来创作唢呐新曲,是唢呐这样的民间音乐艺术不断获得新生命力的保障方式之一。但这其中有技术层面的问题,一是很多作曲家对唢呐这一乐器的发音特色深入了解得不多,他们大多只能从音乐技术本身来考虑其创作,这就使唢呐新曲符合唢呐艺术自身规律的几率降低。二是唢呐演奏者亲自创作的新曲也由于他们限于创作技术的苑囿,难以创新。其实,创新不能仅从新曲下手,对传统乐曲融入新的演绎技术也一样可以推陈出新,像《百鸟朝凤》能从民间走向城市并享誉世界,就是任同祥在这其中融入了新法,他在演奏中将唇齿气舌等技术综合运用,拓展了乐曲的技术难度的同时,也赋予作品新的审美;像《乡音美》《凡字调接叫句子》《豫西二八板》等乐曲,正是由于刘英在演奏处理中进行了唇压音、舌顶音、气颤音、腹震音等方法的综合运用,才使乐曲既充满了现代气息,也摆脱了原曲表现幅度狭窄的不足,从而为更多人所喜爱。 再次,现代风格的作品就要用创新技法来表现。新曲用新法来演奏是有其好处,但新法有其掌握困难之处,成功的保险性也会极大降低,自然也会影响到现代风格作品的唢呐艺术表达。在现代手法的作品的诠释中,挖掘传统演奏技法不失为良方之一。如刘英演奏的《天乐》、张倩渊演奏的《唤凤》等,他们均依从传统唢呐的演奏技术,在气的控制、指压的处理、综合指法的开发上进行了巧妙的辨析,解决了演奏半音、控制音色的能力,却没有借用加键唢呐、弱音器等外在辅助手段;还从音乐传统审美中挖掘了内在情趣,从而更好地展现新曲的传统韵味融入,展现了中国作品有别于国外先锋音乐的特色之处。他们从传统技法出发而挖掘出的演奏技法较为贴切地展现了作品内涵和中国音乐特有的内韵,尤其是在音准、音色的现代性推展上,刘英和张倩渊做出了创造性的探索。 传统不守旧,创新要有根,唢呐这一民间器乐的传承创新须谨慎为之,固守传统和抛弃陈法,是传承创新认知中的两个误区,思想观念中的两个极端。只有潜心于唢呐艺术本体,遵从中华传统经典文化发扬的实际情况,并发自内心地去创新,才能将唢呐传承创新之路走得顺畅,走得坦实。

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台湾没有澎湖湾……

潘安邦和外婆的铜像 文/摄 麦琼 潘安邦将一首《外婆的澎湖湾》唱得家喻户晓,是叶佳修1979年在校园民谣时代立起的标杆,在那个时代恐怕没有其他歌曲与之相提并论。澎湖湾除了夕阳下外婆与外孙的脚印一对半,也有“阳光、沙滩、海浪、仙人掌,还有一位老船长”。这里头的故事是诱人的,有外婆的时光是美好的,有外婆的孙儿是幸福的。据悉,这个作品曾经给作者(歌者)带来商演以十亿以上巨额的收入,可惜,唱红这首歌的潘安邦跟着外婆走了,让人唏嘘。 台湾没有澎湖湾 偶尔跟台湾友人提起要去澎湖,他们都会说那里太热太晒,玄武岩地貌,盐份高不长树。当然,这不会打消我的念头,只是拖延症将我的澎湖之行推迟到离台前立秋后。从台北去澎湖非常方便,与坐公车无异,市内的松山机场每天都有密集的航班前往,我从公寓步行就可以到达机场。飞机起飞不到一个小时,就可以俯瞰洒落在台湾海峡的澎湖列岛。同机的几乎都是年轻学生,我猜他们不太可能是想去寻找歌中的澎湖湾和探望外婆吧。 我住在平湖窝(澎湖旧时称平湖,闽南语同音),首先打听澎湖湾。民宿主人一脸疑惑,表示没听说过。是呀,就好像没有哪一座山是阿里山一样,台湾根本没有澎湖湾。所谓澎湖湾,乃是叶佳修和潘安邦在歌曲里建构的浪漫意象,又或者可以说是属于外婆的澎湖湾,作曲家写歌的时候也未去过澎湖。也怪听歌的人不认真,人家歌者明明唱的就是“外婆的澎湖湾”。如今外婆已经远行,如何寻找澎湖湾的痕迹? 鉴于潘安邦作为歌星名声在外,官方为了纪念,也为了旅游事业,于是在原来潘安邦住过的眷村修葺了他的故居(纪念馆),塑了他和外婆的艺术铜像。连同歌唱天才张雨生小时候的居所(与潘安邦是邻居,但据说二人未曾有交集),以“保护眷村文化”为主题,形成一个小具规模的文创园区——笃行十村。 张雨生纪念馆 来此观光的游客络绎不绝,估计都不太明白眷村是怎么回事,都是冲着早逝的两位歌手而来。当然,周围的观音亭、金龟头炮台、妈宫古城、第一宾馆,还有马公岛、白沙和西屿环抱的安静海湾,应该是来澎湖不可错过的地方。据我观察,在马公市也就是金龟头炮台的高处是看夕阳的好去处。 其实,如果外婆还在,她就是最好的风景。无奈韶华荏苒不留,只有在歌声中怀恋过去的时光了。 民歌风潮余音袅袅 民歌,在大陆朋友的认知中,是找不到作者的流传经年的歌曲,是集体创作。但是在台湾,近几十年却是硬生生将这个概念改变成为对校园流行歌曲的指称,皆因那一波强大的“民歌运动”和流行文化风潮。民歌风潮至今余音袅袅,周年纪念演唱会经常是此起彼伏。刚过去的2019年的夏季,民歌手们翻着花样一再唱响。8月里,他们连续在台北、台中、高雄等地举行“民歌雅集”,看来有将民歌引入新时代毡毹堂会的节奏。 按照他们的说法,《外婆的澎湖湾》无疑就是一首典型的、杰出的民歌。在台北凯达大饭店的“民歌雅集”中,施孝荣就让大家在台上台下大唱特唱,让大家热情高涨。说起来,让民歌在餐厅里回响,本来就是它的原乡。只不过以前的民歌手驻唱的西餐厅,没有雅集中那么气派的大饭店。我随意地挑了一个晚上参加,首先对我是一种情结,也是对老歌手们的致意。宴会厅在六点中便开始陆续坐满了民歌迷,让我惊讶的是没有像同温层聚会那样的高谈阔论和喧闹,甚至没有几个人照相发朋友圈,几乎都是温文尔雅的低语或者耳语交流。宴会没有安排乱哄哄的自助餐,而是分餐的形式。菜式以果蔬、甜品为主,程序颇为讲究用心,荤素交错,不可谓不丰盛。但是,我对吃这些实在不太感兴趣,我是来听歌的,就是不见主持人发话,原来以为是边吃边唱呢。 一直吃到快犯困的时候,王海玲才开麦。说实在,三位名歌手我都不算是很熟悉,但是他们唱红的歌儿倒有蛮深的印象。譬如王海玲唱的《忘了我是谁》(李敖词许瀚君曲),施孝荣唱的《拜访春天》(林建助词、陈辉雄曲)和《归人沙城》(陈辉雄词曲),都是经得起时间考验的佳作。 他们都很有心、用情、用力地为歌友们演唱,年近六旬的施孝荣宝刀不老,依然是那么充满活力。当然,言语中也免不了练达和圆滑。《秋蝉》(李子恒词曲)、《外婆的澎湖湾》(叶佳修词曲)、《化装舞会》(梁弘志词曲)一首接一首,不敢说她们的演唱有多么出色,歌手在席间穿梭,歌友们则同声唱和,已经是相当享受了。就像《你的歌》(吴楚楚词曲)中所唱的:唱错又何妨!重点是唱出来,挥洒青春和对新金沙平台网站的热情,这本来就是校园歌曲的美学精神。 说到现在仍然延续的民歌风潮,怀旧是主流,民歌手和他们的歌迷们年纪都不小了,需要用回忆来打发时光和寻找青春岁月的印记。当然,怀旧中不能不掺杂其他的因素(譬如刷存在感),更不能排除商业参与,因为商业操作是民歌活动的根本保证。因此,也有热爱民歌的朋友发出与当年一样“清纯不再”的感慨。然而,还是有些朋友在坚持校园歌曲的纯粹,维持着校园民谣的血脉,难能可贵。 校园民歌的摇篮 吉普赛民歌餐厅 循着朋友提供的信息,我在一个周末的午后诚意登门拜访了硕果仅存的吉普赛民歌餐厅及其主人。餐厅设在台中闹市中一条小巷的地下室,自1978年开张以来一直保持原貌。进得来,感觉到一种古朴的气息。没有客人,场面显得冷清,老板娘还是很热情,满面春风。未几,老板林先生来了之后餐厅开始忙碌起来。我表示帮忙,他说不需要,客人不多,准备预定位置即可。也许每天来打扰的朋友不少,林先生态度似乎有点冷漠。其实,林先生很健谈,见我对民歌这么感兴趣,而且远道而来,便将几十年有关经营民歌餐厅的故事娓娓道来。我打趣说,看到走道的墙上有很多明星的签名,他们一定在这里留下许多故事。 吉普赛民歌餐厅墙上的歌手签名 他说是的,开始面对面坐下来聊天。那些明星故事在他那里简直就是如数家珍——孟庭苇、周华健、张雨生、李宗盛、谢雷、黄舒骏等等一大串响亮的名字,他们出名之前都是这里的学徒。他自豪地说,吉普赛民歌餐厅是校园民歌的摇篮。他从欧洲留学回台之后,恰逢台湾兴起校园歌曲,有感于国外流行音乐的发达,便撮合几位同好一起开民歌餐厅。盛期他们几个股东在台湾各地开了9间,聚集了大批的歌手和写作能手,生意兴隆。用他的话说,二十年满座。他们有国外的经历,结合本土条件,建立了一套经营理念,培养了一批又一批的歌手;而且有自己的格调,只给大专学生提供机会,让他们以老带新,源源不绝。我对他们的作为大加赞赏,陪他一起回忆那些美妙的故事。不过,话题总得回到现实,时光流逝,风光不再,按照目前的境况,似乎这惟一的一处民歌圣地也难以为继了。没想到,林先生对我的感叹不以为然,没有半点沮丧的意思。他说,他是幸运的人,之前命运对自己太好了,是以感恩的心在经营这餐厅,亏本也要坚持下去,回馈社会、回馈时代。我赶忙附和着说,是呀,给那个时代的过来人留一点念想和精神家园。他诡秘一笑,对我耳语:其实餐厅并不亏损,不请人,一家人经营,也算一种乐趣和习惯。下午开门,晚上听完歌回家睡得很香。嗯,我明白我的问话是失言了,好在幽暗的灯光看不见我一脸的难堪。 晚上七点半,有歌手来候场了。我匆匆将老板娘精心烹制的靓汤喝完,静静地听了两首歌,因为是新歌不太有感。但是年轻女孩很青春活泼,声音清纯青涩,是校园歌手的格调。我跟她挥手致意,同时也与林先生握手作别。

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35家文博单位、近300件文物,重现安徽音乐戏曲艺术发展变迁

此次展出的宋代女伎乐木俑是出土后的全国首秀。(卢旸/摄) 文 | 卢旸 距今2000年的单扉铜铃、安徽博物院镇馆之宝龙虎纹鼓座、宋代青白釉仙人吹笙壶、全国首秀的女伎乐木俑……近日,安徽博物院等安徽省内外35家博物馆、艺术院团及相关机构收藏的近300件文物、资料亮相国家大剧院,在国内首个安徽音乐与戏曲文化专题展览“皖乐徽声——安徽音乐戏曲文物展”上集中展示。展览由国家大剧院与安徽省文化和旅游厅联合主办,通过回顾江淮大地乐舞文化的先声肇音,重现安徽音乐、戏曲艺术的发展变迁,让古老的中国戏曲“活起来”。展览将持续至3月15日。 两件国宝级文物 开幕当天,嘉宾参观展览第一部分中的“金石乐悬”单元。(卢旸/摄) 本次展览分为“乐舞江淮百戏萌生”“诸腔并陈百花齐放”两个部分;以丰富的实物和文献资料为线索,深入探寻安徽地区传统音乐戏曲文化遗留在文物上的印迹,阐释其艺术特征及创作表演活动与地域文化之间的关系。其中,第一部分“乐舞江淮百戏萌生”,通过“上古之音”“金石乐悬”“雅俗共赏”“假面之戏”四个单元,以时代为线索,展示出安徽地区音乐、戏曲文物发展的脉络。 “此次展出的近300件文物级别很高。第一部分展出的龙虎纹鼓座、青白釉仙人吹笙壶都是国家一级甲等文物,单扉铜铃、真子飞霜铜镜、影青釉戏曲人物瓷枕等不容错过,宋代女伎乐木俑更是出土后的全国首秀。” 单扉铜铃 二里头文化时期(前2070-前1600年) 1972年安徽省肥西县馆驿大墩孜出土 安徽博物院藏 安徽博物院保管部主任徐大珍介绍,单扉铜铃(前2070年至前1600年)是安徽境内目前出土最早的空腔青铜器,铃体的合瓦形与商周青铜乐器铙、钟的形制一脉相承,在中国音乐艺术史上具有重要的意义。 龙虎纹鼓座 春秋(前770-前476年) 1980年安徽省舒城县九里墩出土 安徽博物院藏 龙虎纹鼓座(前770年至前476年)是安徽博物院镇馆之宝。它是打击乐器建鼓的底座,沿用高浮雕的手法塑有怒吼的猛虎与独角翘立的游龙,器身满饰蟠虺纹,造型奇特,体型巨大,气势浑厚。宋代青白釉仙人吹笙壶(960年至1279年)造型极为独特,取材于《列仙传》王子乔吹笙凤鸣的神话故事,展现古人的浪漫主义色彩,也是音乐艺术根植于民间新金沙平台网站的生动见证。 真子飞霜铜镜 唐(618-907年) 安徽博物院藏 真子飞霜铜镜(618年至907年)是唐代出现的以云山、高士竹林弹琴、莲池、凤舞、双树为主要纹饰的铜镜,展示了一幅优美的林间抚琴图,这是古人在用音乐表达对超然尘世的追求。 影青釉戏曲人物瓷枕 元(1271-1368年) 1982年安徽省岳西县店前镇司空村出土 岳西县文物保护中心藏 元代影青釉戏曲人物瓷枕(1271年至1368年)塑有殿堂回廊和人物像,讲的是与“八仙祝寿”有关的戏曲故事,不仅彰显了古代匠人的高超技艺,还体现了元代戏曲的流行风尚。宋代女伎乐木俑(960年至1279年)于2014年在安徽省芜湖市南陵县弋江镇宋墓出土。这组伎乐女俑身着统一服饰、梳统一发型,手持多种吹奏、打击、弹拨类乐器,表情传神,造型精美。 馀庆堂走出大山 展览第二部分“诸腔并陈百花齐放”通过“徽郡风化”“悲欢交响”“山野来风”三个单元,以明清徽州、凤阳、安庆地区戏曲文化的发展为线索,向观众展示目连戏、徽剧、花鼓戏、黄梅戏的多彩风貌。 “明清时期,安徽戏曲发展非常繁盛。第二部分展出戏曲剧本、曲谱等史料型文物,也非常难能可贵。”执行策展人张晓杰建议观众不要错过明万历十年郑之珍编《新编目连救母劝善戏文》(1582年)刻本、景德镇中国陶瓷博物馆藏“红梅记”图青花瓷碗(1661年至1722年)、安庆市博物馆藏戏神阁(1644年至1911年)等藏品。 郑之珍编《新编目连救母劝善戏文》 明万历十年(1582年)刻本 安徽博物院藏 “红梅记”图青花瓷碗 清康熙(1661-1722年) 景德镇中国陶瓷博物馆藏 戏神阁 清(1644-1911年) 安庆市博物馆藏 展厅中摆放的馀庆堂10:1模型吸引众多观众驻足。馀庆堂坐落在古徽州祁门县,是三国各将领之后代修建的家族宗祠,集聚会、议事、文娱活动、启蒙办学、祭祀先祖为一体的宗会建筑。 整体建筑依次为戏台、廊庑、享堂和寝楼。地势前低后高呈阶梯状,整体规划布局作凤凰形状。“在古徽州遗留的戏楼中,馀庆堂戏楼格式最为完美,工艺复杂。戏台中央的澡井是徽州戏楼里独一无二的结构。工匠们利用它能聚声扩音的物理原理,把它移动到戏楼中,起到扩音的效果,既增加戏台的美感又有实用性。”国家级非物质文化遗产徽州竹雕传承人洪建华,怀着对先人的敬意,以传统的榫卯、雕刻手法,用红木10:1复制,让馀庆堂走出大山。整栋建筑近万构件,传承着先辈工匠的智慧与精神。 首次音乐戏曲文物展 安徽得占地利,各种戏曲艺术在地域文化的滋养下融合吐纳,孕育发展出众多地方声腔。据全国地方戏曲剧种普查显示,截至2015年8月31日,全国348个剧种中,安徽地方剧种共有31个,居全国第三位。“安徽音乐戏曲文化源远流长。目前,安徽仍有30余种独具特色的戏曲艺术活跃在舞台上,黄梅戏、徽剧、庐剧、泗州戏等更是深受百姓喜爱。”安徽省文化和旅游厅党组成员、省文物局局长蔡小莉表示,安徽作为文化大省、文物大省,依托丰富的文物资源,深挖文物的内涵和背后的故事;和国家大剧院合作举办的展览,就是走出安徽,走出文博系统,多方位展示安徽悠久历史、灿烂文化的一次生动实践。 “联合30余家文博单位举办音乐戏曲文物展尚属首次。文物运输、集合、布展是项浩大工程。策展中,我们向音乐戏曲专家请教,向史料请教,向书本请教,以地域文化为线,将文物像珍珠一样串联起来。”徐大珍表示,希望首都观众透过珍贵的历史文物,领略皖风徽貌的瑰丽多彩,感受皖乐徽声的音韵悠长。

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2020欧美乐团演什么?

编译 | 贾安琪 随着2020年维也纳新年音乐会的璀璨开幕,欧美乐团2019-2020下半乐季正式开启。作为全球各大乐团2019-2020年乐季演出的风向标,维也纳爱乐乐团在新年伊始奏响贝多芬的《十二首乡村舞曲》(节选)昭示着各大乐团为缅怀大师、回顾经典在曲目编排上的匠心独运。今年不仅是崇敬巨人的一年,也是对新作品诞生及首演充满期待的一年。 全年乐坛: 贝多芬诞辰世界齐唱“欢乐颂” 2020年是贝多芬诞辰250周年,贝多芬作品毫无疑问是世界各大乐团的重头内容之一。美国费城交响乐团精心策划“Beethoven NOW”系列音乐会缅怀大师。1月至2月,加拿大指挥家、钢琴家雅尼克·涅杰-瑟贡携手俄罗斯青年钢琴家丹尼尔·特里夫诺夫,与费城交响乐团联袂上演贝多芬全套钢琴协奏曲。3月至4月更循环上演贝多芬九部交响曲:从3月12日弗莱森音乐厅上演“贝五”“贝六”,到4月5日终场演出“贝一”“贝九”,费城交响乐团可谓吹响了美洲大地上纪念巨匠的嘹亮号角。芝加哥交响乐团也在2019-2020乐季的演出计划中宣布,乐团音乐总监穆蒂在整个乐季中指挥贝多芬的所有交响曲并于今年6月以贝多芬《第九交响曲》落下乐季帷幕。 柏林在新年伊始就唱响了欢乐的颂歌。1月1日,贝多芬《第九交响曲》由安德烈斯·魏特曼(Andreas Wittmann)执棒柏林交响乐团上演。4月4日,基里尔·佩特连科指挥的歌剧《费德里奥》将拉开柏林爱乐乐团“贝多芬之月”的序幕。整个4月,柏林爱乐将持续推出贝多芬室内乐作品专场音乐会:从他的弦乐四重奏到六重奏、八重奏,从重奏曲到协奏曲、交响曲,从小提琴、大提琴到单簧管、巴松,各类贝多芬音乐在德国上空交相辉映。作为2019-2020乐季收官之作,柏林爱乐乐团6月赴日本巡演之际将再次奏响贝多芬《第九交响曲》。以此为始,以此为终,纪念大师,缅怀先人。 除了这些世人耳熟能详的经典作品,世界各大乐团在此庆典之年还致力于挖掘并向公众推广一些贝多芬其他的优秀作品。伦敦交响乐团在发布2020年上半年音乐会日程时表示:“还有一些贝多芬作品很少被演奏,其中也有杰作,比如《基督在橄榄山上》。”阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团作为欧洲最古老的三大管弦乐团之一,策划了“人与神话”系列音乐会,推出贝多芬的舞剧谱曲作品《普罗米修斯的生民》。该乐团今年2月还将在荷、法、德三国巡演中的两场音乐会里为听众呈上贝多芬《第五交响曲》和《艾格蒙特》序曲。 春夏之际: 民族乐派作品璀璨绽放 2020年还是奥地利作曲家马勒诞辰160周年。1月24日,马勒曾供职的纽约爱乐乐团将在林肯中心大卫-格芬音乐厅奏响《大地之歌》,美国克利夫兰交响乐团同日将上演马勒《第五交响曲》。对柏林爱乐乐团、纽约爱乐乐团、阿姆斯特丹皇家大会堂管弦乐团等而言,4月至5月是“马勒之月(乐)”。他的《D大调第一交响曲》《c小调第二交响曲》《d小调第三交响曲》《升c小调第五交响曲》《a小调第六交响曲》将在欧洲与北美洲上空如烟花般璀璨绽放。 俄罗斯指挥家比契科夫(Semyon Bychokov)将向其“童年挚爱”柴科夫斯基的180周年诞辰致敬。3月,他将携手阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团在巡演中演奏对他意义非凡的柴科夫斯基《第六交响曲》,同场演出的还有拉威尔《吉普林的情人节》、理查·施特劳斯的双簧管协奏曲。俄罗斯的指挥大师瓦莱里·捷杰耶夫当然也不会沉默,1月,他就在金色大厅携手维也纳爱乐乐团上演柴科夫斯基《第一交响曲》,同场作品还有里姆斯基-科萨科夫的交响组曲《舍赫拉查德》(又译《天方夜谭》)。 总体趋势: 欧陆回顾经典美洲展望向前 环顾2020年上半年世界各大乐团整体演出日程安排,欧洲乐团都在几位巨匠诞辰周年纪念之际选择了回顾经典。以维也纳爱乐乐团为例,新年音乐会后两周的音乐会包括海顿、莫扎特、巴赫等作曲家的诸多作品;2月至3月在安德里斯·尼尔森斯执棒的德法奥三国巡演中,乐团将以贝多芬传世之作致敬大师诞辰250周年;4月至5月乐团将巡回西班牙、德国与瑞士等国,在祖宾·梅塔与巴伦博伊姆的带领下展现19世纪古典主义的回归与民族乐派的繁荣,如勃拉姆斯《D大调小提琴协奏曲》与德沃夏克《d小调第七交响曲》;6月,乐团的美国巡演重头戏是马勒交响曲,在美国纽约已确定的三场音乐会中将上演马勒《第五交响曲》《第七交响曲》。 美国五大乐团与英吉利海峡另一边的英国乐团在今年表现出了对新作曲家的推崇与新作品的期待。伦敦爱乐乐团表示,他们将继续2018年以来探索“从欧洲人的影响力到美国爵士乐”“过去的音乐与当今作曲家的联系”之旅。芝加哥交响乐团在缅怀先师、回顾经典之余,继续推出其第22季MusicNOW系列——该系列致力于展示当代作曲家的作品,由作曲家Missy Mazzoli策划,本次将见证两首委托作品的全球首演。波士顿交响乐团新委托首演的音乐包括埃里克·内森管弦乐队协奏曲的全球首演,以及贝齐·乔拉斯的《巴赫维尔的来信》和阿瑟斯·马卡萨特的《我的河奔向你》(向艾米莉·狄金森致敬)等。当然他们也会录制贝多芬、德沃夏克、格什温、格里格、莫扎特、马勒、拉赫玛尼诺夫、拉威尔和柴科夫斯基的音乐。

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中国音乐产业的身后隐忧

文 | 张燚 在全球经济走势下行的背景下,中国音乐产业的表现可圈可点。然而,随着体量的增大和国际地位的提升,中国音乐产业后台的隐忧愈发暴露出来。下一个十年,它还能保持曾经的高速增长吗? 身经百战的中国流媒体 世界音乐产业最艰难的日子终于扛过去了,新希望终于要来。环球音乐、索尼音乐、苹果音乐的营收都增长明显,Spotify的财报也很亮眼……而中国流媒体音乐平台更是其中的优等生。 WeSong欢唱店 从科技出海到文化出海,腾讯将旗下“全民K歌”的国际版“WeSong”在东南亚推成热款,《北欧回声》则是腾讯音乐人国际化的重要一步;非洲最大的音乐流媒体Boomplay,其背后撑腰的是网易云音乐;字节跳动在国内名声不大,却在北美推出“音乐流媒体+TikTok”组合、在印度推出“Resso”,敢与业界龙头Spotify一较高下……继续在全球攻城略地的中国流媒体令人振奋,其已经具备为中国音乐人打造一条从圈层到大众再到国际市场完整上升通道的能力,具备把更多具有中国基因的音乐产品和音乐文化推向国际的能力。 竞争是残酷的。中国曾经最大的MV流媒体“音悦tai”没能熬过2019年的冬天,而2018年还在跟腾讯音乐争霸的阿里音乐2019年已经跌出第一阵营。从另一个角度来说,中国音乐流媒体无不是身经百战,有理由继续对其整体形势保持乐观。 “音乐加”,靠越来越懂人心的软硬件赚钱 中国音乐产业把“音乐加”的故事讲到了极致。“音乐加戏剧”,音乐剧总票房在去年增长的基础上继续快速前进,可谓市场的“大年”;“音乐加诗词”,各类古典诗词节目中总有音乐的身影;“音乐加旅游”,旅游越发和文化结合在一起,音乐有了更多样的存在空间;“音乐加竞技”,“火箭少女101”和NBA火箭队的合作是一次有意义的探索;“音乐加游戏”,“QQ炫舞”推出的炫舞音乐榜不仅给音乐宣发另一种可能,也给音乐另一种应用场景;“音乐加音像”,爱奇艺推出“超级音乐IP音像制造计划”,腾讯娱乐与华谊签订《合作框架协议》;“音乐加零售”,苏宁易购与咪咕音乐跨界合作,打造泛化娱乐的新型零售…… 以流媒体平台为龙头的中国音乐产业商业模式已经趋于成熟,全面渗透进社交、新金沙平台网站娱乐、消费,以及音乐现场。这些平台在总公司中并不把赢利作为惟一目的,增加用户活跃度或许更重要。中国音乐产业具有典型的“音乐+社交娱乐”属性,不断拓展音乐的多元场景、连接更多用户、实现用户在平台内部的有机转化,靠越来越懂人心的软硬件在数据上赚钱。赢利方面,涵盖了票房与广告、付费订阅、数字专辑、虚拟礼物、增值会员等多种形式。 音乐产业的基础在这里不是音乐 共享单车用两年时间证明了砸钱游戏后也可能是一地鸡毛,音乐能够用几年?2019年10月,高晓松卸任阿里音乐董事长,曾经的意气风发迎来的是被挤出头部的唏嘘。几大音乐平台的首席执行官无一是音乐人,高晓松和宋柯可能是优秀的音乐人,可是即便有跨学科的背景加持,也免不了走上仓皇北顾之路。这再次说明音乐产业中音乐家只是棋子。 从录音棚到DAW(数字音频工作站),从DAW到APP(手机应用),音乐制作如今来到移动时代,但数字音乐的质量也来到了平庸时代。平庸的还有音乐家和音乐作品,媒体平台上的音乐继续令人窒息。平台和音乐并没有一个良好的生态,音乐在平台眼中不过是一道食材,平台在音乐看来不过是露出机会。我们拿出来的成果呢?音乐心浮气躁,故事也讲不利落、经不起推敲。 音乐产业的基础在这里不是音乐,而是粉丝。粉丝疯狂控评、反黑、打投、轮博……但绝大多数收获的不过是如韭菜被快速收割。南京陈情令国风音乐会的前排票被炒到15万元一张,“内容为王”以及行业标准、职业操守在这里不过是笑话。从不包装到过度包装、从不娱乐到过度娱乐,我们在文娱上的摆动幅度如此之大,浪潮如此汹涌。人心也是如此汹涌,每个人都渴望轻轻松松地成功,成功学则在疯狂兜售每个人都能够轻轻松松成功。你看杨超越不就是这样吗?你看“流浪大师”沈巍不就是这样吗?音乐产业巨头有没有去想,粉丝经济之后,会给音乐留下什么?我们和世界,在平台上越来越近,在音乐上却越来越远。 中国音乐平台出海了,中国音乐出海了吗? 情况很不乐观。国内跑道上的海外作品不在少数,这可以说是国际化的表现。但在海外跑道上,中国音乐平台推不出自己的作品,却是大问题。版权收入越来越重要,说明平台正版化的进步,但某种程度上是为他人做嫁衣,作品卖不出去也就说明文化并未出海。噱头大于内容,宣传大于服务,充满“网红店”气息的中国音乐产业能走多远?确实有越来越多的华人音乐家到海外镀金,但还是自产自销,对于华人外群体的影响几近于无。相比五千万人的韩国其男团却占据美国音乐销售第二的成绩,中国音乐出海道阻且长。 在文娱产业,与国际水准差距最悬殊的是音乐。中国游戏全球第一,电影全球第二,视频全球第二,音乐却在第十(艾瑞咨询《2019年中国数字音乐产业研究报告》)。中国音乐教育还在掩耳盗铃,好在中国音乐平台已经开始觉醒。腾讯音乐提出内容(Content)、科技(Technology)和服务(Service)为核心的“CTS战略”,连B站都推出了“音乐星计划”和“音乐UP主培养计划”,快手用200亿元扶持音乐主播。更多的音乐平台把眼光投向校园,咪咕音乐启动“寻觅有价值的原创音乐”和“下课别走高校音乐现场”等原创音乐孵化项目,酷狗直播学院在完善演唱、化装、选歌、大众心理、粉丝运营、直播技巧等方面的培训。此前,全民K歌、网易云音乐、百度音乐也都视校园原创音乐为下一波风口来进行布局。 2020年可期吗?产业可期,音乐未必。十年树木,2020年的中国音乐产业是站在十年前的余荫下。十年后,是中国音乐产业最近的未来。 (本文报纸原题为《迎新时代:中国音乐产业的2019》)

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IT男变身男高音,王亢悉尼歌剧院首秀《波西米亚人》引轰动

王亢(右)在悉尼歌剧院《波西米亚人》中饰演鲁道夫(Prudence Upton/摄) 文 | 李澄 王亢,一位在国内名不见经传的青年男高音,2019年12月31日,在悉尼歌剧院新演出季开幕大戏《波西米亚人》中首秀男一号鲁道夫,赢得爆棚的轰动以及不吝溢美之词的报评。古典音乐杂志《聚光灯》直接以“王亢令人印象深刻的悉尼歌剧院首演,让人觉得很过瘾!”为标题盛赞王亢的首秀,“发挥稳定、有着天鹅绒一般柔软而又优美的嗓音、声区特别统一……‘冰凉的小手’为整部戏中最出彩的部分。”另外一家国际乐评网站直接用“震惊”来形容王亢的表现。 王亢演唱“‘冰凉的小手”(视频资料) 澳大利亚华裔男高音王亢,出生在哈尔滨一个歌唱之家。父母均为声乐演员的他,从小在古典音乐的熏陶中成长,经常听着父亲给学生上课的歌声入眠。但王亢坦言,小时候对歌唱无感,青春期的逆反心理让他更加远离歌唱。直到面临高考时父亲建议他学习一下唱歌,这样可以以特长生报考北大、清华,“我跟着父亲学了半年,然后就去考北大特长生,虽然专业课考了第一名,但是我属于偏科型,高考成绩还是不够北大分数线,功亏一篑。”随后,王亢远赴澳大利亚学习计算机编程。他利用课余时间打工做程序员挣钱,把声乐仅仅当作一个业余爱好来学习和唱着玩儿,从未有过唱歌剧的梦想。直到有一天他在模仿电视里帕瓦罗蒂的《军中女郎》时,发现自己已经拥有了轻松自如的高音,这一年王亢23岁。经过认真思考,他决定结束IT男的新金沙平台网站,到昆士兰音乐学院学习美声,之后又去了英国曼切斯特的北方皇家音乐学院,从此在歌唱艺术的世界里越走越深。 2010至2012年间,王亢师从英国歌唱家、声乐教育家约瑟夫·沃德,取得了澳大利亚昆士兰音乐学院歌剧表演硕士学位。2010年,王亢获得澳大利亚全国琼·萨瑟兰女爵声乐大赛观众最喜爱歌手奖。2011年9月,他出演了普契尼的歌剧《贾尼·斯基基》中的角色“里努乔”。2012至2013年,20多场音乐会中与昆士兰交响乐团合作并出演斯特拉文斯基歌剧《浪子历程》中的主角汤姆·雷克威尔。2013年10月至2014年6月,王亢在英国北方皇家音乐学院学习,出演唐尼采蒂歌剧《爱之甘醇》中的男主角“奈莫里诺”,举办了个人独唱音乐会并拿到北方皇家音乐学院的最高学位“国际艺术家文凭”。2014年6月,王亢受邀前往美国弗吉尼亚州参加大都会歌剧院艺术指导琼·道纳门创办的“国际声乐艺术学院”并演出布鲁克斯改编比才歌剧《卡门》中的男主角“唐·何塞”。2014年8月至2015年6月,王亢在瑞士巴塞尔剧院工作并在剧院的《卢克瑞莎受辱记》等多部歌剧及音乐会中演出。 2015年8月,王亢加入美国纽约大都会歌剧院的林德曼青年艺术家项目并师从美国男高音歌唱家弗兰克·洛帕尔多,作为大都会歌剧院历史上惟一考入此项目的华人男高音。从此,王亢开始了他繁忙的歌剧演唱生涯。2018年至2019年,王亢先后在英国威尔士国立歌剧院、英国北方歌剧院、美国奥斯汀抒情歌剧院及美国纽约Glimmerglass歌剧节中出演歌剧《茶花女》《魔笛》及《艺术家生涯》中的男主角。 在与王亢的越洋通话中笔者了解到,王亢虽然是在澳大利亚学习声乐和起步歌唱生涯,但直到2019年最后一天晚上,才完成了自己真正的悉尼歌剧院首秀。2019年12月31日演出第一场的《波西米亚人》被算作悉尼歌剧院的跨年夜演出,而真正演出季开幕式是今年的1月2日,仍然由王亢出演鲁道夫。本轮《波西米亚人》将连演16场,王亢一口气要唱10场。王亢表示,由于2019年9月刚刚在美国首演过鲁道夫这个角色,这一次可以更从容地深度挖掘这个角色的更多细节。 近年来,王亢逐渐在美国的歌剧舞台上崭露头角。2021年对他来讲格外重要,他将在纽约大都会歌剧院2020-2021演出季出演《魔笛》中的塔米诺,这将是继张建一之后第二个华人男高音在大都会歌剧院出演主角。悉尼歌剧院下一个演出季也已签约王亢在《茶花女》中连演10场男一号阿尔弗莱多。目前,王亢在澳大利亚和美国的演出已经基本排满,欧洲诸多歌剧院也在向他发出邀约。王亢说,他计划把2022至2023年的档期尽可能多地空出来,以便能够及早地进入欧洲歌剧院演出。

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我如何饰演《盼你归来》中的“瞎妈妈”

冯春霞饰演“瞎妈妈”。(丁啸/摄) 文 |冯春霞 歌剧《盼你归来》是中国歌剧舞剧院向新中国成立七十周年和建党一百周年的献礼之作,也是2019年国家艺术院团演出季我院重点推出的新创剧目,并获得2018年国家艺术基金资助。该剧讲述的是焦裕禄的故事,我饰演兰考的贫困孤寡老人“瞎妈妈”。 指挥家刘新禹第一次指挥音乐作业,对我说:“你唱的这段应该是瞎妈妈的内心感受。”我说:“是不是应该用高位置、弱声来唱?”他说:“太棒了!”乐队首席曹欢听我演唱后对我说:“唱的声音不能太大,瞎妈妈应该是个有气无力的病人。”我感觉说得很对,从那以后,我开始寻找和体验瞎妈妈的人物情感。 从唱法上找到状态后,我还特别注意在演唱中语气的变化。焦裕禄说“娘看不见,就好好摸摸”之后,瞎妈妈唱了一段咏叹调。一开始无伴奏宣叙:“额头宽宽……浓眉大眼……鼻梁高高……嘴角弯弯……”我怎么也表现不出盲人摸出来的感觉。有一天排练完,我向曹欢请教,曹老师把小提琴放下来,给我示范了瞎妈妈的感觉。边唱边摸的感觉,正好就是休止符的表现方式。曹老师说:“散板不要节奏,是摸出来的,不是事先设计好的。”后来我看着曹老师给我的示范录像,才真正体会到了瞎妈妈摸着唱的感觉,将这段改成“额头……宽宽,浓眉……大眼,鼻梁……高高,嘴角……弯弯”,才唱出用休止符表现盲人摸的感觉。我排练下了台,其他演员惊喜地说:“我们感受到了盲人摸的感觉了。”我非常欣慰,这种创作灵感太宝贵了。“嘴角……弯弯”给乐队速度,进节奏;“笑声中透着宽厚和善良”,用高位置弱声表现瞎妈妈自言自语的内心感受;“手心里传来亲人的温暖”,逐渐加大音量回到现实当中,感受到了温暖和关怀;“透着真挚的情感”这句瞎妈妈用尽全身的力气;结束句我给“俊俏的后生”加了重音,强调了语气、节奏,来表达瞎妈妈对焦书记的信赖。“好儿男”句尾渐弱来表现瞎妈妈内心对焦书记的期望,被指挥称之为“神来之笔”。 记得第一次进入人物情绪是在排到焦裕禄说“娘,儿子来看你来了”时,导演说:“不知道您能不能跪下?”我体验了几次,最后找到了感觉。这部分人物情绪戏剧冲突的焦点,就是瞎妈妈突然知道焦书记来她家看她,又意外又惊喜,声泪俱下地说:“俺的老天爷呀!”想要给“青天大老爷”跪下,焦书记把她搀扶起来。我认真琢磨和执行导演庞少勇反复推敲动作的准确性,实际上这一跪是瞎妈妈表演的“起”。在瞎妈妈的认知里,见了大官是要下跪的。被焦书记和二蛋搀扶到炕上之后,瞎妈妈和二蛋说“这么大的官来看我”,是情绪转换的“承”。和焦书记说“焦书记,老听二蛋提起你”是情绪的“转”……这样,我终于找到了瞎妈妈的人物情感戏剧情绪“起、承、转、合”的脉络,这些细节也表现出焦裕禄亲民爱民的人民公仆形象。在每一部新创作的剧目中,角色的成功塑造,都需要在舞台上反复实践、磨合、探讨、摸爬滚打,是一个集体的共同创作。 2019年11月8日,《盼你归来》在天桥艺术中心首演。9日,文化部专家、教授、国家艺术基金的专家、知名学者观看了演出,并给予我好评和鼓励。我一定继续努力,不辜负剧院和老一辈艺术家对我的亲切关怀和殷切期望,传承中国民族歌剧,向焦裕禄同志学习,努力做一名正直善良,对社会、家庭,无私奉献的人。

来源:音乐周报
3000年历史的笙早已不是你熟悉的模样……

百人笙团专场音乐会 文 | 卢旸 2019年12月18日,百人笙团专场音乐会在中国音乐学院举办。同期举办了“笙演奏形式多样化开发研讨会暨中国民族管弦乐学会笙专业委员会2019年度工作年会”,来自全国十一大音乐学院、综合大学、师范院校、职业院团、乐器制作厂家的笙教育家、演奏家、制作家齐聚一堂,交流笙艺术在多个领域的发展成果。 中国音乐学院教授、中国民族管弦乐学会笙专业委员会会长李光陆介绍,笙,古时称“和”,有三千多年的历史,是世界自由簧的鼻祖。它既是乐器,亦是礼器,代表了和谐、和平、和睦、和合与共的中国精神。 一场笙的“乐器博览会” 音乐会演奏九首作品,即群笙交响《飞鹤惊泉》《樱花》《寒梅傲雪》《吹起芦笙唱丰收》、笙重奏《秋夜》《西厢情怨》、芦笙音画《火车进侗乡》、传统笙独奏《云淡风清》、高音加键笙协奏《龙飞凤舞》。“音乐会全部是笙演奏,没有其他乐器。演出乐团是全国首个没有指挥的百人以上笙乐团。”李光陆介绍,音乐会由中国音乐学院华夏鹤鸣笙乐团出演,共计125人。表演中,演奏者通过肢体有韵律地晃动,达到百人合奏,没有指挥却整齐划一。 “这是我参加过规模最大的笙专业音乐会。此次音乐会演出团体成员来自全国各大院校教师和院团的演奏家,以及优秀学生,演奏人员数量庞大,演奏形式多样,演奏场面辉煌,作为笙专业音乐会,社会影响力是空前的。”音乐会上,青年笙演奏家鲍龙飞以传统笙24簧笙、次中音笙演奏《云淡风清》《飞鹤惊泉》《寒梅傲雪》《吹起芦笙唱丰收》《樱花》等作品。 “此场音乐会既是音乐的海洋,更是乐器制造的博览会。音乐会中展示了中国笙乐器家族的各个种类和样式。”北师大珠海分校特聘教授崔涛举例,群笙交响《飞鹤惊泉》改编为群笙交响的合奏形式。作品编配融合系列传统笙(24、26、27、32、37簧等加键扩音笙),36、38、42簧高音键笙,36簧中音抱笙,36簧中音排笙,32次中音抱笙,32、36簧低音笙,36簧倍低音笙等不同种类的笙。这在演奏形式上,是对传统演奏形式的颠覆和创新。此外,《寒梅傲雪》使用了复古笙、各类改良传统笙、36簧加键高音笙、中音排笙、抱笙、次中音笙、低音笙、倍低音笙等各类笙。 高音键笙协奏《龙飞凤舞》于1992年创作完成。它将唐代弹拨乐器的演奏特点运用到了笙的演奏中,不仅丰富了笙的广泛性和全面性,也使笙的演奏技巧及音乐表现形式得到了进一步的挖掘、创新和发展。李光陆介绍:“该曲创作了多年,但由于乐队编配、演奏技法以及演奏者对乐曲的风格理解等方面存在众多困难,于2017年才完成首演。” 为适应乐队笙家族日渐壮大 目前我国笙的种类繁多,主要使用的笙包括传统笙、高音键笙、芦笙、古笙、葫芦笙、中音笙、次中音笙、低音笙、倍低音笙、中音抱笙、低音抱笙、排笙等十余种。其中,传统笙为17、19簧,在此基础上改良有21、24、26、36、37簧等多种。 徐超铭、牟楠演奏37簧笙二重奏《二龙戏珠》 “传统17簧笙适应不了乐队的演奏,于是逐步扩大音域。37簧笙从传统笙发展而来,音位排列保留传统演奏技法,同时半音齐全,既能够演奏传统笙乐曲,也可以演奏现代前沿作品。”笙演奏家徐超铭从1985年开始用37簧圆斗笙教学,善于用37簧笙演奏高难度的现代笙曲。“传统37簧笙几乎可以吹任何作品,音质保留竹子的音色,和声音量平衡,是乐器改革的成功范例。”上海音乐学院教授翁镇发说。 36簧次中音笙 36簧倍低音笙 与此同时,许多民乐团都使用键笙(36簧笙),并设有高音笙、中音笙、次中音笙和低音笙。中低音笙的研制,极大地拓展了民乐队的中低音声部。它们都是在传统笙的基础上重新设计制作的,在音色、音质、演奏技法、表现性能、形制等方面既有继承又有发展。“工欲善其事,必先利其器。乐器制作要跟上演奏的步伐。新型中低音笙指法问题,困惑我很多年。”“赵家笙”第三代传承人赵宏亮探索新型中低音笙的指法统一。36簧新型系列中低音笙由中音笙、次中音笙、低音笙和倍低音笙组成,声音浑厚统一、操作简便省力。 低音笙示范 “华夏鹤鸣笙乐团使用‘赵家笙’研制的中低音笙,这种中低音笙最大的优点就是与键笙的指位统一,能演奏键笙的演奏者,可以直接演奏中低音笙,不需要重新学习一套指法。当然,与传统笙、高音笙相比,中低音笙大概需要多运用1倍的气息,更要求演奏者良好的气息。”音乐会合奏中,华夏鹤鸣笙乐团行政团长凌博演奏了倍低音笙、芦笙,同时担任高音加键笙协奏曲《龙飞凤舞》的独奏。“中低音笙与键笙指法一致,对演奏者来说非常方便,演出前熟悉一下把位就可以了。”鲍龙飞说。 规范化是必由之路 然而,如此种类多样的笙,音位、形制、指法的不统一也给演奏者带来困扰,变换乐器,演奏家就要重新学习指法。 李光陆提出:“笙的规范化是必由之路。探讨各个形制笙的优缺点,逐渐向着规范化努力,才能避免演奏上不必要的困难。”中国音乐学院青年笙演奏家李怡凡则认为,“多种多样的笙丰富了音乐的情绪、音乐和声与织体,开创了笙组合演奏形式的先河。正所谓‘异音同律、异口同笙、异彩纷呈’。”现在是百花齐放的时代,每一种笙的存在都有其合理之处,应该互相尊重、互相学习、互相借鉴。“因为笙的种类繁多,不一样的音色,不一样的音高,使得这个乐器自成一个族群。而不同种类的笙也承载着各自地域的文化特色。”凌博说。 “笙和其他民族乐器一样,传统一定要继承,但又要避免程式化。要大胆尝试,大胆革新,努力用新手法、新技术去充分挖掘笙的表现潜能。”徐超铭说。四川音乐学院教授刘瑜认为,在一把笙上既保持传统的演奏风格,又因其音域广阔、半音齐全、转调灵活方便而能适应表现手法现代化的创作乐曲技术要求,才是笙改革、发展的方向。一把音位排列科学合理、演奏技法易于掌握、在演奏和教学中都具有很高实用价值和推广前景的笙乐器,才能适应当今音乐发展的要求。 为创作提供更多可能性 “音域拓宽、音量变大、反应灵敏度提升、可以快速运动……如今,笙乐器性能已经大幅提高。”中央音乐学院教授杨守成介绍,用笙演奏小提琴作品《阳光照耀着塔什库尔干》时,能够像小提琴一样快速运动。此外,笙是和声乐器,为创作提供更多可能。过去,笙的作品主要靠演奏家自己创作,如今,作曲家秦文琛、贾国平、郭文景等也都开始为笙创作作品。 “新中国成立后,中国笙艺术的发展百花齐放,百家争鸣。无论是笙作品数量、笙乐器开发种类、笙教学规范还是笙演奏创新,都有了飞速的进步和发展。笙演奏形式的多样化开发,将推进中国笙艺术规范化、特色化、科学化、职业化的进程。”李光陆介绍,笙演奏形式的多样化开发研讨会,旨在提高全国笙专业学科教学、表演、制作等水平,推进中国笙艺术多样化发展,科学有序发展中国笙艺术。 “笙,是我国历史上最优秀、最具有代表性的乐器之一,几乎伴随了整个中华民族的文明发展史。它的科学设计、复杂制作,可以称作历史上乐器制作的绝活,充分体现了我们祖先的聪明才智和卓越的创造力。”笙演奏家唐富认为,新时代笙多样化开发体现在两方面,一是笙演奏形式的多样性,一是笙曲创作的多样性。 “笙作品作曲技法上的开拓,对作曲家,对乐团都是挑战。”杨守成表示,创新是一个民族、一个行业的动力核心。笙的演奏、教学、制作、文创等方面都需要与时俱进,不断完善提高笙的艺术表现力、感染力,是笙艺术的前途所在。研讨会、音乐会不是结束,仅仅是个开始。

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